70's Indie Movies

Versuch mal, Five Easy Pieces bei einem Videoabend mit Freundinnen zu zeigen. So wird dein Abend laufen; mit explosivem Gelächter, tiefer Stille und fassungsloser Aufmerksamkeit. Five Easy Pieces ist ein Film von ungewöhnlicher Tiefe und Intensität und präsentiert einen der ungewöhnlichsten Charaktere der Kino-Geschichte. Robert Eroica Dupea, dessen Name von Beethovens Sinfonie inspiriert wurde. Verkörpert wird er von Jack Nicholson, der kurz zuvor durch die New Hollywood Bewegung zum Filmstar wurde (nach einer fast zehnjährigen Karriere in kleineren Filmen). Nicholson blühte während der frühen 70er auf, spielte Aussenseiter, fähig zu Wut, Sarkasmus, Selbstmitleid, aber auch zu Zärtlichkeit. Und in Five Easy Pieces ist er eine Offenbarung! Stell dir vor, du hättest einen solchen grossen Film 1970 im Kino erlebt! Das war genau die Richtung, in der sich die New Hollywood Richtung entwickelte! Mit eigenwilligen Charakteren und Dialogen mit Sinn fürs Vulgäre & Literarische, mit einer Handlung, die von der Entwicklung der Figuren angetrieben wird. link trailer

In der besten Szene von Peter Bogdanovichs The Last Picture Show geht Sam The Lion mit Sonny und Billy fischen. Sie fahren raus zu einem See, den man eher als Loch bezeichnen möchte. Mitten in der texanischen Prärie. Eigentlich gibt es in dem See nur Schildkröten und gar keine Fische. Das aber ist Sam egal. Er mag sowieso keinen Fisch. "Try one?" - Sam bietet Sonny eine handgerollte Zigarre an. Dann erzählt er, wie er vor zwanzig Jahren mit dem Mädchen, das er liebte, zu diesem See fuhr. Sie schwammen und ritten mit ihren Pferden hindurch. Sams Mädchen aber war bereits verheiratet und er auch schon vor zwanzig Jahren nicht mehr jung... Während er erzählt, stellen wir fest, dass wir dem Mythos von Sams Leben zuhören. Seiner Vision von Schönheit, die ihn überhaupt am Leben erhält in der Einöde einer sterbenden Stadt: Anarene, Texas. Sam, gespielt von dem Western Darsteller Ben Johnson, ist die Seele von Anarene. link tailer

Wo warst du 1962? Für meine Generation sollte die Frage lauten; Wo warst du 1992? Wahrscheinlich in einem Kadett, irgendwo im Umkreis Osloer Strasse/Residenzstrasse. Die Mauer war weg, Berlin offen, Deutschland noch sehr spiessig unter Helmut_Kohl. Genauso muss sich George Lucas 1962 gefühlt haben. Vielleicht fuhr er mit ein paar Freunden herum, Downtown. Vielleicht auf einen Hamburger oder ins Kino? Amerika war damals noch unschuldig. Das änderte sich erst ein Jahr später, nach dem Kennedy Attentat und dem Sturm der Ereignisse, die folgen sollten. Eben 1973, als Lucas American Graffiti in die Kinos brachte. Die ganze, ganze Welt in American Graffiti wirkt nicht nur auf mich weit weg und fremd. Und unschuldig. Wie wenig vorbereitet war Amerika für das, was kurz danach folgen sollte! Am 22. November 1963 sollte nichts mehr sein wie zuvor. Die Teenager in American Graffiti dagegen wirken wie Cartoon Charaktere. Ihre Optionen waren denkbar einfach: Entweder aufs College gehen oder Zuhause bleiben und einen Job suchen. Und tagein, tagaus die Main Street rauf- und runter "cruisen". So wie in Berlin. link trailer

John Cassavetes steht bei uns natürlich im Autoren-Regal. Mach den Test: Schau dir einen Cassavetes Film nur wenige Sekunden an - und du weisst sofort: Das ist ein Cassavetes Film! Du erkennst Cassavetes Charaktere, Cassavetes Dialoge usw. Vor allem wird in Cassavetes Filmen sehr, sehr viel geredet. Cassavetes Filmen haben richtige Angst vorm Schweigen. Seine Charaktere suchen verzweifelt nach Liebe. Doch sie können weder Liebe geben, noch Liebe annehmen. Cassavetes Filme interessieren sich nicht für die bekannten Formeln von Hollywood Studio-Produktionen, sondern die Spontanität des Lebens. Alles fühlt sich spontan an, obwohl Cassavetes natürlich keinen "Mumblecore" gemacht hat. Aber er arbeitete nur mit seiner Familie und seinen Freunden zusammen und die kannten seine Dialoge vermutlich so gut wie ihn selbst. Cassavetes vermeidet so etwas wie einen Handlungsbogen. Er ist das Gegenteil eines "Storytellers". Seine Charaktere erfand er nie. Er liess sie durch das Leben selbst entstehen. link trailer + FREE ON YOUTUBE (DU FINDEST DEN GANZEN FILM FREI AUF YOUTUBE)

Wer gerne Filme dreht, der bekommt hier ein Gratis-Seminar von Elaine May darüber, wie Komödie in Satire und schliesslich in Tragödie übergehen kann. May besitzt dafür ein sicheres Gespür und das von der ersten Szene an! Beide Eltern von Lila (Jeannie Berlin) sind fest entschlossen, sie weg zu geben. Sie flankieren sie, jeder greift einen Arm und so gehts direkt vor den Trau-Altar. Dummerweise stehen aber die Klappstühle zu eng... Dann folgen die Flitterwochen - eine einzige Katastrophe gelinde gesagt. Bereits auf der Fahrt nach Miami Beach wird Lenny (Charles Grodin) seiner neuen Braut überdrüssig (die sich Eiersalat ins Gesicht schmiert und immerfort dieselben Lieder singt). Unheilvoll hat sie sich für die Hochzeitsnacht aufgespart. In Miami Beach kommt es schliesslich zur Katastrophe. Lila holt sich einen fürchterlichen Sonnenbrand, muss zurück ins Hotel, während Lenny sein Handtuch allein am Strand ausbreitet. Dort wird er mit seinem Schicksal konfrontiert. Sein Schicksal heisst Kelly (Cybill Shepherd), eine Blondine aus Minnesota. link trailer + FREE ON YOUTUBE (DU FINDEST DEN GANZEN FILM FREI AUF YOUTUBE)

Einer der grossen amerikanischen Indie Filme der 70er - eines der vergessenen Meisterwerke seinerzeit! Wie könnte man Elaine Mays dritten Film am besten beschreiben? Es ist ein John Cassavetes Film, nicht von John Cassavetes. Und ein kolossaler Flop, nach dem May 11 Jahre nichts mehr drehen sollte (um schliesslich einen noch viel grösseren Misserfolg zu landen!). Allein die Besetzung: Cassavetes, der wohl grösste amerikanische Indie Regisseur und an seiner Seite, Peter Falk, ohne den die Cassavetes Filme nicht denkbar wären! Der Clou: May verbrauchte soviel Film-Material wie keine Produktion je zuvor. Sie liess die Kamera wandern und Kreisen, ganz so wie in einem Cassavetes Film. Es gibt den Witz, dass die Kamera sogar noch fuhr, als Cassavetes und Falk das Set längst verlassen hatten. May scheint keine leichte Regisseurin gewesen zu sein, jedenfalls verbat sie es sich, dass irgendjemand ausser ihr "Cut" schreien durfte. In Mikey And Nicky wirkt alles improvisiert, wen wunderts, dass May die Dialoge angeblich über Nacht verfasste. Der Geschichte tut das keinen Abbruch; im Gegenteil, der Film lebt genau dadurch! Mikey And Nicky ist eine tolle Komödie und zwar wegen ihrer Charaktere! Wie sie geschrieben und verkörpert werden! link trailer + FREE ON YOUTUBE (DU FINDEST DEN GANZEN FILM FREI AUF YOUTUBE)

Fakten und Fiktion kollabieren. Wanda war Barbara Lodens einziger Film. Sie starb 1980 mit nur 48 Jahren, während sie ihr zweites Werk konzipierte und geriet dann in Vergessenheit. Zeit, Wanda zu entdecken - denn wofür gibt's schliesslich Videotheken wie uns? Auftakt. Ein Kind schreit, ein alter Mann verlässt das Haus. Wanda (Loden selbst) wacht auf. Das Haus steht im Nirgendwo Amerikas in der Nähe eines Steinbruchs. Wanda leiht sich etwas Geld und fährt einfach los. Szenenwechsel. Im Gerichtssaal wartet Wandas Mann (Jerome Thier), dem das alleinige Sorgerecht für die Kinder zugesprochen wird. Wanda kommt zu spät, erklärt sich mit allem einverstanden. Die Kinder wären bei ihrem Mann besser aufgehoben. Dann sucht Wanda Arbeit in der Fabrik, in der sie schon einmal auf der Gehaltsliste stand. Der Chef aber erklärt Wanda, sie sei zu langsam. Nichts bleibt ihr, ausser ihrer Handtasche. Die verliert sie im Kino, findet sie kurz darauf wieder. Es ist kaum noch Geld darin. Wanda grämt sich nicht. Sie lacht auch nicht. Sie irrt einfach weiter, ohne Ziel. In einer Bar trifft sie Mr. Dennis (Michael Higgins), der gerade die Kasse ausraubt. Er spendiert ihr ein Essen. Er duzt sie und sie siezt ihn. Wanda wird zur Komplizin. Dennis plant den ganz grossen Coup. Sie könnte ihn verlassen. Wanda aber bleibt. In dieser Beziehung gibt es keine Zuneigung oder Gefühle. Dennis benutzt Wanda. Natürlich missglückt der Überfall und Wanda flieht in eine Kneipe. Mit versteinertem Gesicht ist sie angekommen im Nirgendwo, von wo sie aus dem Nirgendwo geflohen war... link trailer + FREE ON YOUTUBE(DU FINDEST DEN GANZEN FILM FREI AUF YOUTUBE)

An meinem 18. Geburtstag schwänzte ich die Schule, um mit dem Fahrrad nach Kreuzberg 61 in die Mittenwalder Strasse zu fahren. Zum Videodrom, der besten Videothek Berlins und damit Deutschlands. Mein Ziel: Endlich David Lynchs Eraserhead ansehen! Natürlich gabs den nur als britische Import VHS. Kein deutscher Verleih hatte sich an den berüchtigten Klassiker gewagt. Eraserhead guckt man am besten um Mitternacht. Nicht nur, weil er als "Midnight Movie" in Kinos auch um Mitternacht gezeigt wurde, sondern weil Eltern dann schlafen. Eraserhead spielt in einer grimmigen, fremden Welt. Wahrscheinlich in der Post-Apokalypse. Im Zentrum des Films steht Henry Spencer (Jack Nance), der seine Haare so trägt, als ob er gerade in die Steckdose gefasst hätte. Eines Abends kehrt Henry zurück in seine schäbige Wohnung, um zu erfahren, dass er von den Eltern seiner Freundin Mary X (Charlotte Stewart) zum Essen eingeladen wurde. Die schlimmstmögliche Familien-Szene! Marys Mutter lässt Henry besonders unangenehme Fragen sogar zwei Mal beantworten und schleckt ab einem bestimmten Zeitpunkt sein Gesicht. Die Grossmutter sitzt in der Ecke. Vielleicht ist sie bereits tot. Der Vater prahlt voller guter Laune, dass sein linker Arm taub ist. Das Abendessen besteht aus Hühnern, die eklige Masse absondern, schneidet man hinein. Und Mary hat ein Kind zur Welt gebracht! Eine Frühgeburt. Doch niemand ist sich sicher, ob es überhaupt ein Baby ist? link trailer

1978 waren - genauso wie heute - fast alle Regisseure Männer. Aber nicht alle, bereits damals gab es Ausnahmen wie Claudia Weill, die ganz bestimmt laut protestieren würde, das genau diese Tatsache einleitend steht. Girlfriends ist eine New Yorker Indie Komödie über zwei New Yorker Mitbewohnerinnen. Eine heiratet, die andere versucht sich als Fotografin. Eine hat "zu viel Freiraum" und sie verlangt nach "zu viel Freiheit". Das mag fast reaktionär anmuten, doch 1978 galt genauso wie heute, dass wir viel mehr Babys auf den Strassen sehen, als wir erwarten möchten. Denken wir an die Strassen Kreuzbergs. Hier geht es darum, sich zu befreien, das eigene Potential voll auszuschöpfen. Dann aber naht der 30. Geburtstag und frau merkt, dass das nicht mehr reicht. Sie möchte jemanden, mit dem sie es teilen kann. Es ist schlicht unmöglich, die ganze Idee, sich um jemanden zu kümmern, einfach los zu werfen - auch, wenn es nur aus egoistischen Gründen ist. Susan (Melanie Mayron), die aufstrebende Fotogafin und Anne (Anita Skinner), die gerne heiraten will, sind Mitbewohnerinnen. Unzertrennlich. Doch langsam entfremden sie sich von einander und bald wird Anne ausziehen. Karriere oder Ehefrau? link trailer

Nichts ist schwieriger als die Darstellung des ganz normalen Lebens im Film. Vor allem, weil wir aus so vielen anderen Werken "Storytelling" gewohnt sind: Erzählmuster und bestimmte Handlungen, die immer wieder auftauchen. Oder benehmen sich Filmfiguren so wie echte Menschen? Charles Burnett aber zeigt die ganz normale Alltags-Routine. Er führt das Leben in Armut vor, dass dem Menschen keine Entscheidungs-Freiheit lässt. Er zeigt das Leben einer Familie aus Watts, das gebunden ist an starke Werte, aber ohne Chancen. Das Leben dieser Familie endet im Nirgendwo. Genau wie der Film. Stan (Henry Gayle Sanders) arbeitet im Schlachthof. Er arbeitet bis zur Erschöpfung. Abends, zu Hause, repariert er dann das Waschbecken und ähnliches. Seine Frau (Kaycee Moore) ist schön, aber müde. Wenn Stan nach Hause kommt, frischt sie ihr Makeup auf für ihn (was er gar nicht bemerkt). In einer lockeren Aneinanderreihung von Episoden lernen wir ihre Kinder, ihre Nachbarn, ihr Leben kennen. Wir sehen nichts und gleichzeitig alles. Gefilmt in Schwarzweiss, was uns ein Gefühl der Resignation vermittelt. So wurde Killer Of Sheep zu einem Klassiker - den doch kaum jemand kennt. Mach mal einen Test und gib ihn auf Netflix ein. Natürlich kein Treffer. link trailer

Ken Russells grösste Gabe als Regisseur ist es, zu weit zu gehen! Zum äussersten zu gehen und darüber hinaus! Genau das tut er mit Tommy und damals - 1975 - bekam er dabei die nötige Unterstützung von The Who, Elton John, Eric Clapton, Tina Turner, Jack Nicholson (…) Der Held ist anfangs blind und taub und am Ende ein Superstar. So liesse sich die Handlung zusammen fassen (wobei die Nebenhandlungen viel wichtiger sind). Jedenfalls wird der Held zu einer Art Anführer eines fast religiösen Kultes und trägt schliesslich sein eigenes Tommy T-Shirt. Tommy kommerzialisiert seinen Ruhm. Er verkauft sich. Das wird von Russells Film selbstverständlich kritisiert - wobei auch die Rock-Oper Tommy an sich sehr gut vermarktet wurde. Für seine Tommy Thematik interessiert sich Russell aber sowieso herzlich wenig. Ihn interessiert der Exzess. Tommys Leben gleicht einer Odyssee und er begegnet allen möglichen und unmöglichen Charakteren. Zum Beispiel der Acid Queen (Tina Turner) als Nutte verkleidet. Alles gipfelt in einem grossen Pin Ball Turnier, denn darin besteht Tommys Ruhm: Tommy der Held des Pin Ball! link trailer

Videothekare und Geeks lieben Filme, die "normale" Menschen anwidern. So ein Film ist The Honeymoon Killers und doch viel mehr als ein simpler Schocker! Die Original "Lonely Hearts Killers" hiessen Ray Fernandez und Martha Beck. Während der 40er Jahre ermordeten sie mindestens drei ältere, alleinstehende Damen und wurden 1951 hingerichtet. Das ist der Stoff für diesen Freak von einem Film aus dem Jahr 1970! Shirley Stoller spielt Martha, eine übergewichtige Krankenschwester, die ihre Mutter daheim pflegt. Tony Lo bianco spielt den schmierigen Heiratsschwindler Ray, in den sich Martha verliebt. Die Mutter muss ins Heim, alle Aufmerksamkeit gehört Ray. Zusammen beginnen sie, ältere Damen auszurauben und zu ermorden. Ray fungiert als Lockvogel, doch schliesslich schwängert er eines der Opfer... link trailer + FREE ON YOUTUBE (DU FINDEST DEN GANZEN FILM FREI AUF YOUTUBE)

Eines Tages taucht dieses Mädchen einfach so auf, setzt sich auf den Rücksitz (der Rücksitz eines Chevys, das ist wichtig). Das Mädchen trägt keinen Namen, aber generell hat hier niemand einen Namen. Sie fahren ein bisschen und treffen G.T.O. (der heisst so, weil seine Maschine so heisst). Sie vereinbaren, ein Wettrennen zu fahren. Es soll quer durchs Land gehen bis nach Washington und der Gewinner bekommt das Auto des Verlierers. Um dieses Rennen gehts vor allem in Two-Lane Blacktop und das wirkt etwas seltsam, vor allem, da niemand wirklich gewinnen möchte (so scheint es mir). Dabei haben sie ihr ganzes Leben ihrem Fahrzeug gewidmet; G.T.O. hat sich ja sogar danach benannt! Obwohl es ihnen ums Gewinnen geht, halten sie immer wieder an, um einander zu helfen - ganz so als ob es doch zu einsam auf der Strasse wäre. Kurzum, sie entstammen dem Universum, dass wir seit Bonnie & Clyde (DVD1129) und Easy Rider (DVD724) kennen. Dieses Universum besteht aus der Strasse, den Motels und Tankstellen und allem, was an der Strasse erbaut wurde. Es mag zwar auch Häuser und Gärten dahinter geben, für die namenlosen Menschen in Two-Lane Blacktop aber ist die Strasse ihr Zuhause. link trailer

Willkommen in der entspannten Welt der L.A. Filme, mit lockeren Charakteren, die im Grunde ein historisches und politisches Bild der amerikanischen Seele liefern! Cisco Pike ist weit davon entfernt, ein grossartiger Film zu sein. Dafür bietet er aber diese lockere, schöne Textur der L.A. Filme und natürlich eine Reihe guter Darsteller. Vorneweg; Kris Kristofferson in seinem Kino Debüt. Damals war er noch Folk Sänger. Normalerweise funktionieren Schauspiel-Auftritte von Sängern nicht so gut, weil üblicherweise ihr Image für die Rolle benutzt wird. In der Tat wird auch Kristofferson typisiert besetzt als Komponist und Folk Sänger. Die Figur aber wurde von Grund auf neu konzipiert. Und zwar leicht und ungezwungen, so wie sie im Film funktioniert. Manche meinen, Cisco Pike wäre ein weiterer Drogen-Musik Trip. Damals war Cisco Kid kein grosser Erfolg. Dabei findet Cisco Pike seinen ganz eigenen Ton und hält auch einige Überraschungen parat. Bis zu seinem unglaublichen Ende lernen wir Cisco (Kris Kristofferson) kennen, der früher einmal berühmt war, sich nun aber mit Drogengeschäften durchschlägt. Er steigt aus dem Geschäft aus, mehr oder weniger. Bis Officer Leo Holland (Gene Hackman) eine grosse Menge Gras klaut und Cisco erpresst, das Zeug zu verkaufen. Das alles ergibt eine Art Handlung, wobei die L.A. Filme der 70er gar keine lineare Handlung brauchen. In Wahrheit dienen die meisten Szenen nur der Ablenkung. link trailer + FREE ON YOUTUBE (DU FINDEST DEN GANZEN FILM FREI AUF YOUTUBE)