FREE ON YOUTUBE Old Joy + Slow Cinema

Mark und Kurt sind alte Freunde, die sich zu einem Camping Trip fürs Wochenende treffen. Zeit genug, heraus zu finden, wie viel sich im Leben verändert hat im Laufe der Jahre. Es ist ziemlich regnerisch. Eine dicke Schnecke gleitet über einen Felsblock, der malerisch mit grünem Moos überzogen da liegt. Ein Bild, das meinetwegen gar nicht so viel mit der Geschichte dieser beiden Freunde zu tun hat, aber genau passt! Es passt einfach zum Trip der Beiden, die sich auf den Weg zu einer heissen Quelle in Oregon machen. Kelly Reichardt versteht das offensichtlich. Sie führt getragene Bilder und Klänge vor, lässt viel Raum und Zeit. Einmal zwitschert ein Vogel auf der Dachrinne. Der Film verweilt. So wie wir. LINK FULL MOVIE

Und was wäre, wenn unsere Identität für alle Zeit existiert und sich gelegentlich an der Oberfläche des Lebens zeigt? In dem Moment, da wir uns dem bewusst werden, verliefe das Leben ohne zeitliche Begrenzung. Gibt es nicht diesen Gedanken, dass wir den Himmel als Kinder noch kannten? Wenn wir älter werden und dem Tode näher kommen, empfangen wir sie wieder, die Grüsse der anderen Seite. Diese Möglichkeitet bietet Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives an. Der Filmtitel klingt genauso geheimnisvoll wie der seines Regisseurs Apichatpong Weerasethakul. Zumindest für westliche Ohren. Wer aber offen ist für Geschichten mit Geistern, die uns manchmal besuchen, ist hier im richtigen Film gelandet!

Als ich ein paar Fotos der heutigen atomaren Umgebung von Fukushima betrachtete, musste ich unwillkürlich an Tarkovskys Vision einer verlassenen Welt in Stalker denken. Natürlich kann man die Grösse eines Films nicht an seiner Relevanz gegenüber der echten Welt missen. Trotzdem stellt Stalker so etwas wie eine schwermütige Warnung dar. Stalker ist Tarkovskys kryptischster Film und dadurch auch das Werk, was uns immer am meisten beschäftigen wird. Hat man Stalker damals nicht auch als Mahnmal für Tschernobyl gesehen? Die Idee einer unheimlichen, entvölkerten "Zone" - die Prophezeiung einer "Zone der Entfremdung". Nur sieben Jahre später sollte sie durch eine furchtbare Feuerbrunst im eigenen Land Wirklichkeit werden.

Immer schon hat man Tsai Ming-liang mit den ganz grossen Namen der Filmgeschichte verglichen. Mit dem Kino der Stille, Einsamkeit und Isolation. Wer What Time Is It There sieht, wird bemerken, dass Tsais Filme genauso witzig wie traurig sind. Und zwar beides im gleichen Moment. Tsais Held heisst Hsiao Kang (Lee Kang-Sheng) und er verkauft Armbanduhren, draussen auf den Strassen von Taipeh. Er hat etwas von der Befangenheit, aber auch der Redlichkeit der grossen Vorbilder, die wir aus Tatis oder Keatons Filmen kennen. Eines Tages will er Shiang-Chyi eine seiner Uhren verkaufen, doch sie besteht auf genau der an seinem Handgelenk. Die wiederum kann zwei Zeitzonen anzeigen und das ist wichtig für Shiang-Chyi. Sie wird bald nach Paris ziehen. Hsiaos Leben daheim ist trist und ohne jede Hoffnung auf Erlösung. Einmal sehen wir seinen Vater rauchend, allein in einem verdunkelten Zimmer. Die Mutter glaubt längst, die Seele ihres Mannes sei auf den grossen weissen Fisch in ihrem Aquarium übertragen worden. Ein Fisch als einziger Freund. Der Vater wird sterben, ohne je einen Funken Lebensfreude an seinen Sohn weitergegeben zu haben. What Time Is It There eröffnet uns das Versprechen der Gleichzeitigkeit. Ohne je wirklich mit ihr gesprochen zu haben, stellt Hsiao seine Uhren nach der Pariser Zeit. Gleichzeitigkeit oder einfach nur die Hoffnung darauf?

Anfang der 00er packten wir Millenium Mambo in die Regale unserer Videothek und viele unter euch nahmen den Film mit gemischten Gefühlen auf. Es war Hous erster zeitgenössischer Spielfilm. Viele meinten, dass er nun das Universum von Wong Kar-Wai betrat, kein Wunder, sein Kamera Mann hatte zuvor In The Mood For Love (DVD1720) gedreht. Die Bilder sind ähnlich, etwa Zigaretten als orangefarbene Punkte vor neonblauem Disco Hintergrund. Hier verbringt Vicky (Shu Qi) ihre Nächte, die sich eine schmuddelige Wohnung mit ihrem missbrauchten Freund, einem Pseudo DJ, (Tuan Chun-hao) teilt. Vicky arbeitet in einer Hostess Bar, wo sie ihren beschützer (Jack Kao)) kennen lernt - und den kennen wir aus allen Hou Filmen. Wie dem auch sei, meinten damals viele unter euch, Hous Versuch, die jüngere Generation zu portraitieren, wäre nicht sein Metier. Heute fällt vor allem auf, wie toll Millenium Mambo erzählt ist: Wie eine zeitliche Brezel, den offenbar beginnt der Film an einem Punkt in zehn Jahren...

Realismus ist die zutreffende Beschreibung von Chantal Akermans unglaublichem Film: Sie fokussiert den zierlosen Alltag einer Hausfrau der unteren Mittelschicht. Realismus ist bei Akerman aber nicht bloss die Suche nach der "Wahrheit". In Akermans Meisterwerk explodiert alles, was das banale Leben dieser Durchschnittsfrau zusammenhält (die Routine, die es bis dahin noch nie in einen Film geschafft hatte). In der 201. Minute wird alles gewaltig in Frage gestellt. Die Macht der Gewohnheit, für Jeanne Dielman bedeutet sie in Wahrheit Stress: Wenn Jeanne herausfindet, dass sie nur noch eine Kartoffel hat, in den Laden geht, um ein neues Netz zu kaufen und dann jede einzeln schält. Tiefer psychologischer Stress, den wir in Zeitlupe erleben.

Satantango ist so ein Film, der einen regelrecht wütend machen kann, findet man kein Interesse an solch einem Projekt. Auf diejenigen aber, die sich darauf einlassen, wirkt Satango hypnotisierend! Gesetzt den Fall, du hast nach einer halben Stunde noch nicht ausgeschaltet bzw. den Kinosaal verlassen, dann wirst du wie im Sog in deinen Sitz gedrückt. Du wirst ausserstande sein, dich noch zu bewegen! Wie in einem Albtraum! Satango wirkt wie ein Fluch. Ein trauriges, stilles Werk. Das Böse selbst sucht uns heim - elegant in Schwarzweiss gefilmt in Einstellungen, die oft eine halbe Stunde lang andauern. Über siebeneinhalb Stunden! Um zu begreifen, wo wir da gelandet sind, sollten wir uns an die Worte Bela Tarrs selbst erinnern: Geschichten verachtet er, denn sie würden den Menschen Glauben machen, etwas geschehe. In Wahrheit aber geschieht nichts. Wir gleiten von einem Zustand in den nächsten. Das einzig Greifbare dabei ist die Zeit an sich. Die Jahre, die Tage, die Stunden und Minuten. Und was ist Zeit anderes als die Rotation der Erde um die Sonne an sich?

Nuri Blige Ceylan ist zweifellos ein Weltklasse-Regisseur, aber er steigert sich nicht von Film zu Film, so wie viele behaupten. Ich finde, dass er auch vor über zehn Jahren schon Weltklasse war! Winter Sleep dauert über drei Stunden und man mag etwas Über-Ambitioniertes erwarten - doch, Winter Sleep hats wirklich! Ceylans bisher schönstes und klarstes Werk! Oberflächlich betrachtet, folgt Winter Sleep den typischen europäischen Arthaus Vorbildern mit einem männlichen Protagonisten, der in verschiedenen Stadien der Isolation gezeigt wird.

Wer einen leichten Film sucht, der irrt hier gewaltig. Pedro Costa hat zwar ein ultra-minimales Werk inszeniert, aber doch eben eines, dass sein Publikum spaltet. Hier diejenigen, die Slow Cinema lieben, dort die Fraktion, die wütend das Weite sucht. Diejenigen aber, die es schaffen, zweieinhalb Stunden auf ihrem Sessel zu verharren und Colossal Youth durchzustehen, die finden äusserst lobende Worte! Wenn dir also Colossal Youth kolossal verwirrend erscheint, dann lies nicht weiter...

Lav Diazs "Norte, The End of History" hat eine lange Reise hinter sich, vom Certain Regard des Filmfestivals in Cannes rund um den Globus, bis er nun hier in der Videothek der Filmkunstbar Fitzcarraldo angekommen ist. Die Kritiker der Welt beschrieben den Film routinemässig als Meisterwerk von atemberaubender Grösse. Wer würde sich ohne diese Ankündigungen auch in das 250minütige Werk eines Filipinos, der Dostojewski verfilmt, wagen? Niemand wünscht einem solchen Vorhaben einen Reinfall. Norte ist weder ein grosses Meisterwerk, noch ein Reinfall. Es gibt Momente faszinierender Schönheit und Kraft, dann aber auch wieder Leerlauf, als ob dem Film keine genaue Idee zugrunde läge.

Wer erinnert sich noch an das Drama in Cannes 1997? Abbas Kiarostami durfte in letzter Sekunde den Iran verlassen, um zur Premiere von The Taste Of Cherry zu gelangen. Stehende Ovationen gab es für Kiarostami vor dem Film. Am Ende gewann er die goldene Palme. Heute am Videotresen der Filmkunstbar Fitzcarraldo diskutierte ich mit zwei Kunden über den Film. Beide meinten, The Taste Of Cherry sei ein grosses Meisterwerk. Mir kam es so vor, als ob ich einen halbfertigen Film gesehen hätte. Eine Parabel über Leben und Tod, die man wunderbar vortragen könnte, so dass es sich immerhin wie ein grosser Film anhört...

Chloé Zhaos The Rider ist der tollste Neo-Western seit langer, langer Zeit! Ein Werk, das auf Gegensatzpaaren beruht: Hier erscheint ein Western über einen Rodeo Cowboy, angesiedelt in einem Reservat irgendwo in South Dakota, fast wie eine Dokumentation. Und trotzdem wirken Licht & Landschaft zusammen wie ein filmisches Gedicht! Das Ganze müssen wir auch noch vor dem Hintergrund betrachten, dass The Rider, der von der amerikanischen Männer-Kultur schlechthin handelt, ausgerechnet von einer jungen Filmemacherin aus Beijing eingefangen wird! Zhao lebt bereits eine Weile in den Staaten; The Rider ist ihr zweiter Film (und ihr zweiter Neo-Western). The Rider ist das, was man gemeinhin als "mallickesk" bezeichnet. Ein Film, in dem der Ton, die Stimmung alles sind.