Hollywood 30's

Die Weltwirtschaftskrise und die Einführung des Tonfilms bestimmten die Verfassung Hollywoods. 1926 brachten Warner einen Tonfilm heraus, dessen Erfolg das Experiment rechtfertigte. Von der Krise schien die Filmindustrie zunächst nicht betroffen, im Gegenteil, die Leute suchten nur umso mehr das billige Kinovergnügen. 1933, als die Zahl der Arbeitslosen die Zehn-Millionen-Grenze überschritten hatte, mussten schliesslich doch 19000 Filmtheater schliessen. Anfang der 30er sah sich Hollywood noch in der Lage, aktuelle Problem relativ frei zu behandeln, was den Ruf nach Zensur lauter werden liess. 1929 hatte die Filmwirtschaft eine Liste von "Dont´s" und "Be Carefuls" zu akzeptieren, z. B. die Vermeidung der Darstellung von Rassenschande zwischen Weissen und Schwarzen. 1933 ersetzte man die Liste durch den Production Code, ausgearbeitet von einem Jesuitenpater. Hollywood unterwarf sich immer stärker der Zensur, schliesslich wurde es unmöglich, sich angemessen mit der Wirklichkeit zu befassen. Am Anfang des Jahrzehnts dominierte die sogenannte realistische Schule. Nicht nur einige ambitionierte Regisseure wendeten sich der Realität zu, sondern auch populäre Genres wurden davon ergriffen. Lewis Milestones Stunde schlug als der deutsche Produzent Carl Laemmle (Universal) ihn mit der Adaption von Im Westen nichts Neues betraute. "Eine gute Doktorarbeit" nannte Eisenstein den grossen Erfolg All quiet on the Western Front (1930) und tatsächlich übertrifft der Film den Roman in seiner Eindruckskraft. Auch später hielten Milestones Filme das Niveau ihrer Vorlagen ein: The front page (1931) war ein Melodram aus dem Presse Milieu mit realistischen Akzenten, Of mice and men eine adäquate Steinbeck Adaption. Mervyn LeRoy war der zweite Regisseur, der entscheidend zur realistischen Wendung beitrug. Little Caesar begründete das Genre des Gangsterfilms, dem in den 30er 200 Produktionen nachfolgten. Der Gangsterfilm wurde schlagartig zum populärsten Typ. Le Roys Gangster war skrupellos und erlangte durch allerlei Tricks öffentliches Ansehen. Den bürgerlichen Konventionen von Anstand und Moral wurde so eine klare Absage erteilt. Die realistischen Filme der 30er befassten sich jedoch nicht nur mit dem aufkommenden Gangstertum, sondern auch Missständen in Parteipolitik, Journalismus, Rechtsprechung und Strafvollzug. Le Roys I am a fugitive from a chain gang folgt dem autobiographischen Bericht eines Ex-Sträflings und zeigt dieselbe Authentizität und Knappheit wie Little Caesar. Die Brillanz der Drehbücher und das Niveau der technischen Mitarbeiter gestatteten einer Reihe von Regisseuren, echte Meisterwerke abzuliefern. William Wellman untersuchte in Public Enemy die Ursachen des Gangstertums und schloss an den Erfolg von Little Caesar an. Ein Regisseur der sogenannten zweiten Garnitur war auch Howard Hawks, dessen Scarface (1932 nach Ben Hechts Drehbuch) den Aufstieg und Fall von Al Capone schildert und den dritten grossen Gangsterfilm seiner Zeit darstellt. Im Trend der "tropical films" standen auch Fritz Langs erste Hollywood Produktionen: Fury, You only live once und You and me, die wegen ihrer Verwandtschaft gelegentlich als Trilogie bezeichnet werden, führen Massenhysterie und versuchten Lynchmord vor, zeigen einen unschuldig zu Tode verurteilten Mann sowie die Missgeschicke eines vorbestraften Paares. Deutlich scheint M - Eine Stadt sucht einen Mörder durch die ersten Hollywood Produktionen durch. Langs Pessimismus verlieh seinen frühen US Filmen Kraft. Die Intensität von Fury oder You only live once sollte er nie wieder erreichen, nachdem er den "Irrtum" seines Pessimismus später eingestand. Die 30er ermöglichten mit dem Tonfilm auch die Anfänge des Musicals. Ton führte hier nicht zur Verdichtung von Realität, sondern zur Flucht vor eben dieser. Fred Astaire war der erste, der Tanz und musikalischen Handlungsfilm zusammen führte. Astaire und seine erste Partnerin Ginger Rogers bewegten sich in Alltags Dekors - nur eben tanzend. Der Tanz war dabei als unrealistisches Moment offen erkennbar: Wenn der Moment gekommen war, da Wort und Geste nicht mehr hinreichten, setzte die Musik ein... Der erfolgreichste Autor der Dekade war zweifellos Walt Disney. Gross geworden mit Silly symphonies, Mickey Mouse und der Donald Duck Serie kopierte Disney in seinem waghalsigen Unterfangen des ersten abendfüllenden Trickfilms der Geschichte Snow White and the seven dwarfs einige Hauptfiguren nach lebenden Vorbildern. Die Hintergründe waren naturalistisch ausgemalt, die Farben statisch, die Musik so wie in anderen Hollywood Filmen. Sieht man von Disney ab, war kein Regisseur so erfolgreich wie Frank Capra, der charakteristisch für das Amerika des New Deal war. It happened one night etablierte ihn als Meister der "Amerikanischen Komödie", nachdem er bereits mehr als 20 Filme realisiert hatte. Den Erfolg wiederholte er mit Mr. Deeds goes to town und You can´t take it with you. Mr. smith goes to Washington sowie Meet John Doe schlossen seinen populären Zyklus ab. Capra zeigte Bürger im Kampf gegen Räumungsbefehle der Bank oder im Kampf gegen politische Korruption. Seine Filme waren bereits bei ihrer Entstehung antiquiert, schliesslich überholte der Krieg Capras Glauben, dass der Normalverbraucher die Mächte der Finsternis besiegen könnte. John Ford war neben Disney und Capra der dritte Regisseur, der enormes Prestige errang. Bei Ford stimmten die Filme allerdings nicht mit einem ideologischen Trend überein, sondern konstituierten ihre eigene Welt. The informer (1935) erhielt die meisten Oscars des Jahres, Stagecoach (1939) nimmt seinen Platz ein als wahrhaft erster moderner Western. Ford erzeugt Bewegung durch Statik, der Ort der Handlung stets abgeschlossen, resultiert die Spannung aus der Gefahr von aussen. Äussere Gefahr war aber nicht Fords Interesse, sondern ihre Auswirkung auf die innere Gruppe. Dem Repertoire von Stagecoach fügte Ford später nicht mehr viel hinzu, er blieb der Regisseur der konservativen Utopie. Der Schritt zum Tonfilm gelang vielen Regisseuren nicht: Griffith zog sich verbittert zurück, Talente wie Sternberg, Vidor und Stroheim verfielen. Charles Chaplin hingegen gelang der Sprung, die Helden von City lights und Modern times traten ein in die soziale Wirklichkeit. Chaplin blieb in seinen beiden Filmen der 30er dennoch selbst stumm, bis auf eine Szene in Modern times, wo er singt. Er blieb universal verständlich mit den leichten Bewegungen einer Marionette, wie ein Wink aus vergangenen Kinotagen. - The Great Depression and the introduction of the talkies determined the state of Hollywood. In 1926, Warner released a sound film whose success justified the experiment. At first, the film industry did not seem to be affected by the crisis; on the contrary, people only sought cheap cinema pleasure all the more. In 1933, when the number of unemployed had exceeded ten million, 19,000 movie theaters were finally forced to close. At the beginning of the 1930s, Hollywood still saw itself in a position to deal with current problems relatively freely, which made the call for censorship louder. In 1929, the film industry had to accept a list of "don'ts" and "be carefuls", e.g. avoiding the depiction of racial defilement between whites and blacks. In 1933, they replaced the list with the Production Code, drafted by a Jesuit priest. Hollywood became increasingly subject to censorship; eventually it became impossible to deal adequately with reality. At the beginning of the decade, the so-called realistic school dominated. Not only some ambitious directors turned to reality, but also popular genres were seized by it. Lewis Milestone's hour struck when German producer Carl Laemmle (Universal) entrusted him with the adaptation of Im Westen nichts Neues. "A good doctoral thesis," Eisenstein called the great success All Quiet on the Western Front (1930), and indeed the film surpassed the novel in its impressiveness. Later Milestone's films also maintained the level of their originals: The front page (1931) was a melodrama from the press milieu with realistic accents, Of mice and men an adequate Steinbeck adaptation. Mervyn LeRoy was the second director to contribute decisively to the realistic turn. Little Caesar established the genre of the gangster film, which was followed by 200 productions in the 1930s. The gangster film abruptly became the most popular type. Le Roy's gangster was ruthless and gained public prestige through all kinds of tricks. The bourgeois conventions of decency and morality were thus clearly rejected. The realistic films of the 1930s, however, dealt not only with the emerging gangsterism, but also with grievances in party politics, journalism, jurisprudence and the penal system. Le Roy's I Am a Fugitive from a Chain Gang follows the autobiographical account of an ex-convict and displays the same authenticity and brevity as Little Caesar. The brilliance of the scripts and the caliber of the technical staff allowed a number of directors to deliver true masterpieces. William Wellman explored the causes of gangsterism in Public Enemy, following up on the success of Little Caesar. Another director of the so-called second set was Howard Hawks, whose Scarface (1932, based on Ben Hecht's screenplay) depicts the rise and fall of Al Capone and represents the third great gangster film of its time. Fritz Lang's first Hollywood productions were also in the trend of "tropical films": Fury, You Only Live Once, and You and Me, sometimes referred to as a trilogy because of their relationship, perform mass hysteria and attempted lynching, depicting a man innocently sentenced to death and the misadventures of a couple with a criminal record. Clearly, M - A Town Seeks a Murderer shines through the first Hollywood productions. Lang's pessimism lent power to his early U.S. films. He was never again to reach the intensity of Fury or You Only Live Once, after later admitting the "error" of his pessimism. The 30s also made possible the beginnings of the musical with the sound film. Here, sound did not lead to the condensation of reality, but to an escape from it. Fred Astaire was the first to bring dance and musical action film together. Astaire and his first partner Ginger Rogers moved in everyday decors - only dancing. The dance was openly recognizable as an unrealistic moment: when the moment came when words and gestures were no longer enough, the music kicked in... The most successful author of the decade was undoubtedly Walt Disney. Having grown up with Silly symphonies, Mickey Mouse and the Donald Duck series, Disney copied some of the main characters from living models in his daring venture of the first full-length animated film in history, Snow White and the seven dwarfs. The backgrounds were naturalistically painted, the colors static, the music as in other Hollywood films. Leaving Disney aside, no director was as successful as Frank Capra, who was characteristic of New Deal America. It happened one night established him as the master of "American comedy", having already realized more than 20 films. He repeated the success with Mr. Deeds goes to town and You can't take it with you. Mr. Smith Goes to Washington and Meet John Doe completed his popular cycle. Capra showed citizens fighting bank eviction orders or fighting political corruption. His films were already antiquated when they were made; eventually, war overtook Capra's belief that ordinary people could defeat the forces of darkness. John Ford was the third director, along with Disney and Capra, to achieve enormous prestige. With Ford, however, the films did not coincide with an ideological trend, but constituted their own world. The informer (1935) received the most Oscars of the year, Stagecoach (1939) takes its place as truly the first modern Western. Ford creates movement through static, the place of action always closed, the tension results from the danger from the outside. External danger, however, was not Ford's interest, but its effect on the inner group. Ford did not add much to the repertoire of Stagecoach later, he remained the director of conservative utopia. Many directors failed to make the step to talkies: Griffith withdrew bitterly, talents like Sternberg, Vidor and Stroheim fell into disrepair. Charles Chaplin, on the other hand, succeeded in making the leap, and the heroes of City lights and Modern times entered social reality. Chaplin nevertheless remained silent himself in his two films of the 30s, except for one scene in Modern times where he sings. He remained universally intelligible with the slight movements of a puppet, like a hint from bygone days of cinema. Translated with www.DeepL.com/Translator (free version)