Hollywood 40's

Bereits in den 30er Jahren hatte eine gewisse Politisierung Hollywoods eingesetzt, die sich in den 40ern voll auswirkte. Durch den Kriegseintritt war ein Reihe von Regisseuren mit Propaganda Werken betraut worden, nach dem Krieg versuchten einige Regisseure sowie Autoren sich durch die Gründung eigener Gesellschaften selbständig zu machen – was in den allermeisten Fällen an den Banken scheiterte. Einige aber, die sich wie Samuel Goldwyn bereits vor dem Krieg ein Studio erschaffen hatten, produzierten einige der besten Werke der 40er. Den grössten Schlag erlebte die Linke mit dem 1938 eingesetzten Senatsausschuss zur „Untersuchung unamerikanischer Umtriebe“. Ein Zustand der Lähmung verbreitete sich, der erst nach dem Abdanken des verantwortlichen Senators McCarthy zu weichen begann. Die Hinwendung zur Wirklichkeit machte die amerikanische Dokumentarfilmbewegung deutlich, den Einschnitt zu einer neuen Periode markierte das Erscheinen von Orson Welles Citizen Kane. Kane trug die Züge verschiedener Selfmade Men, darunter Welles. Er gibt sich als Idealist oder Materialist, Egoist oder Altruist – wie es die Situation verlangt. Jede Meinung über ihn ist richtig, doch keine trifft seinen Kern. Die Struktur des Films gleicht einer journalistischen Studie und gehorcht nicht der herkömmlichen Dramaturgie. Die günstigen Bedingungen, unter denen Citizen Kane produziert wurde, bekam Welles nie wieder. Mit von Strohheim teilte er das Los eines „auteur maudit“. Neben Welles war es William Wyler, der die Abkehr vom traditionellen Stil einleitete. Ähnlich wie Welles stand Wyler für eine Art „innere Montage“ seiner Filme, The best years of our lives bediente sich der Filmsprache der italienischen Neorealisten. Das Werk Hitchcocks gehört wie das von Chaplin keiner Periode an. Er blieb sich ewig gleich, seine Kriminalfilme wurden als Vollendung des Genres angesehen, interessieren sich jedoch nie für den Kriminalfall. In einer statischen Ordnung erfahren Hitchcocks Helden das Unheimliche, sie geraten in ein Verbrechen, werden falsch verdächtigt oder in die Tat hinein gedrängt. Das Grauen steigt auf aus der Alltäglichkeit. Vertraute Objekte wie Telefone, Flüssigkeiten oder Schmuck werden zu Boten des Unheils. Durch die Perspektive der Kamera verändern sich die Dinge und werden unheimlich. Wie in den britischen Schauerromanen erwächst alles aus dem bürgerlichen Alltag und ist nicht metaphysisch begründet wie bei den deutschen Expressionisten. Hitchcocks Happy Endings sind meist als Beschwichtigungsversuche durchschaubar, sein Schrecken wird durch angelsächsische Ironie wieder gebrochen. Preston Sturges war ein Autor ganz im europäischen Sinne, der die amerikanische Komödie der Vorkriegszeit zur Gesellschaftssatire weiter entwickelte. Er aktivierte vergessene Techniken des Lustspiels bis zurück zur Slapstick Comedy. Sturges polemisierte gegen die Gesellschaft und gegen seine eigenen Komödien. Sullivan´s travels war das Hauptwerk, eine Milieu Untersuchung bei den Allerärmsten, deren Vorlieben der Regisseur Sullivan erforscht, um am Ende keinen sozialen Film, sondern einen anspruchslosen Lachschlager für seine Klientel zu entwerfen. Die schwarze Serie traf den Ton der Zeit am eindringlichsten, war gleichermassen misstrauisch gegen die herrschende Ordnung als auch authentisch in der Milieuzeichnung. Die schwarze Serie, der dokumentarische Kriminalfilm sowie der sozialkritische Film waren drei Tendenzen der Zeit. Von allen dreien lassen sich „reine“ Werke ableiten wie John Hustons Debüt The Maltese Falcon. Die besten dokumentarischen Kriminalfilme sind Kiss of death von Henry Hathaway, The naked city von Jules Dassin und Panic in the streets von Elia Kazan. Sie legen den Schwerpunkt nicht auf das Verbrechen, sondern dessen Aufklärung. Sozialkritische Filme wie The best years of our lives von William Wyler, The men von Fred Zinnemann oder All the king´s men von Robert Rossen untersuchen die Anfälligkeit des Kleinbürgertums für totalitäre Bewegungen. Es entstanden sogar antirassistische Filme wie Home of the braves oder solche, die Antisemittsimus anprangerten wie Crossfire. Die sozialkritischen Filme der 40er hatten im Gegensatz zur schwarzen Serie keinen eigenen Stil. Viele der Regisseure sanken während der 50er zur Bedeutungslosigkeit herab oder gewannen der Rezeption des Stils der 40er noch einige bedeutende Werke ab. Nur wenige wuchsen über die Grenzen des Realismus der 40er hinaus, allein John Huston, Billy Wilder, Elia Kazan, Fred Zinnemann und Joseph L. Mankiewicz traten auch später noch mit individuellen Werken hervor. - Already in the 30's a certain politicization of Hollywood had begun which had a full effect in the 40's. After the war some directors and authors tried to become independent by founding their own companies - which in most cases failed because of the banks. But some, like Samuel Goldwyn, who had already created a studio before the war, produced some of the best works of the 40s. The greatest blow was dealt to the left by the Senate Committee for the "Investigation of Un-American Activities" set up in 1938. A state of paralysis spread which only began to give way after the abdication of the responsible Senator McCarthy. The turn to reality made the American documentary film movement clear, the cut to a new period marked the appearance of Orson Welles Citizen Kane. Kane bore the features of various self-made men, including Welles. He presents himself as an idealist or materialist, egoist or altruist - as the situation demands. Every opinion about him is correct, but none hits its core. The structure of the film resembles a journalistic study and does not obey conventional dramaturgy. The favourable conditions under which Citizen Kane was produced were never given to Welles again. With von Strohheim he shared the lot of an "auteur maudit". In addition to Welles, it was William Wyler who initiated the renunciation of the traditional style. Similar to Welles Wyler stood for a kind of "inner montage" of his movies, The best years of our lives used the film language of the Italian neorealists. Like Chaplin's, Hitchcock's work does not belong to any period. He stayed the same forever, his crime movies were regarded as the perfection of the genre, but they were never interested in the crime case. In a static order Hitchcock's heroes experience the uncanny, they get into a crime, are falsely suspected or pushed into action. The horror rises from the everyday. Familiar objects such as telephones, liquids or jewellery become messengers of disaster. Through the perspective of the camera, things change and become uncanny. As in the British horror novels, everything grows out of everyday bourgeois life and is not metaphysically grounded as with the German Expressionists. Hitchcock's Happy Endings are usually transparent as attempts at appeasement; his horror is broken again by Anglo-Saxon irony. Preston Sturges was an author in the European sense who developed the American comedy of the pre-war period into a social satire. He activated forgotten techniques of comedy all the way back to slapstick comedy. Sturges polemicized against society and against his own comedies. Sullivan´s travels was the main work, a milieu investigation among the very poor, whose preferences the director Sullivan explores in order to create in the end not a social film, but an undemanding laughing stock for his clientele. The black series hit the tone of the time the hardest, was equally suspicious of the ruling order and authentic in its milieu drawing. The black series, the documentary crime film and the socio-critical film were three trends of the time. Of all three, "pure" works can be derived such as John Huston's debut The Maltese Falcon. The best documentary crime films are Kiss of death by Henry Hathaway, The naked city by Jules Dassin and Panic in the streets by Elia Kazan. They don't focus on crime, but on its resolution. Socially critical films such as The best years of our lives by William Wyler, The men by Fred Zinnemann or All the king´s men by Robert Rossen examine the susceptibility of the petty bourgeoisie to totalitarian movements. Even anti-racist films such as Home of the Braves or those that denounced antisemitism such as Crossfire were made. In contrast to the black series, the socially critical films of the 40s had no style of their own. Many of the directors sank to insignificance during the 50s or gained some important works from the reception of the style of the 40s. Only a few grew beyond the limits of the realism of the 40s, only John Huston, Billy Wilder, Elia Kazan, Fred Zinnemann and Joseph L. Mankiewicz stood out later with individual works.